El arte pop de andy warhol

Top Lists 9 de diciembre de 2015 Ricardo Martínez Sí, somos conscientes de ello. En esos 10 «cuadros» de Pop Art que encontrarás a continuación, hay dos obras que no son cuadros. ¿Y qué? También son importantes y también han marcado el siglo XX, como lo hicieron las pinturas. No sea puntilloso. Bien, una vez aclarado esto, vayamos al grano: hemos escogido para ti 10 obras del famoso movimiento Pop Art, que ha conmocionado al mundo y ha dejado una profunda huella en el arte del siglo XX.

El Pop Art había surgido como una respuesta intrínseca al entonces dominante expresionismo abstracto. Era el año 1950 y pico, la Guerra Fría hacía estragos y algunos de los artistas que mencionaremos a continuación querían desafiar la tradición y la vieja forma de concebir el arte. El arte pop comenzó a mediados de los años 50 en Gran Bretaña y se extendió a Estados Unidos a finales de esa década. Por supuesto, como cualquier otro movimiento, el Arte Pop tenía raíces en años anteriores y en el arte anterior – debido al uso de objetos cotidianos como inspiración, el Arte Pop podría estar relacionado con el Dadá y los readymades. El objetivo del Pop Art era acercar el arte al público en general, crear arte con elementos de la cultura de masas, que fueran conocidos por todos. Se caracteriza por un gran humor, ironía y sarcasmo hacia sus propios logros y temas de interés. Se suele decir que Richard Hamilton fue uno de los primeros artistas que empezó a dar forma al movimiento en Gran Bretaña, así que empezaremos por su obra.

Quién es el artista pop más famoso

El arte pop es un movimiento tremendamente influyente que comenzó entre los años cincuenta y sesenta. Se dirigía a las masas -más que a los individuos- con su enfoque en el lenguaje simplificado del consumismo de posguerra.

En su esencia, el arte pop es arte comercial, una forma de arte reproducible de los iconos aparentemente eternos para las masas, desarrollada en las calles, fuera de las galerías de la élite, y a partir de los símbolos de la vida cotidiana.

Los artistas empezaron a utilizar símbolos y referencias que hacían referencia directa a los productos cotidianos, las marcas y los símbolos de masas, la «cultura» que influía en la vida, las opiniones y los hábitos de la gente. Estos «iconos de la sociedad actual» representaban el mundo en el que estos artistas -y la gente en general- crecían.

Las marcas, imágenes y rostros de las estrellas de Hollywood se veían por todas partes, reconocibles en los anuncios, en las estanterías del supermercado local o en el armario de la cocina. Eran los símbolos visuales omnipresentes de la «cultura pop».

En los años cincuenta y sesenta, el «star-system» -el mundo de la cultura de las celebridades que comenzó en los años veinte con las grandes estrellas de Hollywood a partir de los años de la preguerra- alcanzó su punto álgido. Había una sensación de «cultura pop» en torno a los grandes nombres y su imagen. Y ahora afectaba tanto a las obras de los artistas contemporáneos como a la vida de los propios artistas. La fama se convirtió en algo fundamental.

Chica ahogada

Roy Lichtenstein, uno de los primeros nombres del Pop Art que alcanzó gran notoriedad, se convirtió rápidamente en una figura destacada del movimiento. Su obra se inspiraba principalmente en los cómics, y aunque a menudo recibió críticas negativas de banalidad y falta de originalidad, definió la premisa básica del Pop Art a través de la parodia. Las imágenes icónicas y de gran impacto de Lichtenstein revolucionaron el Pop Art y el Arte Moderno. Apartándose del dominante Expresionismo Abstracto, que se centraba en los temas trágicos del alma de los artistas, Roy encontró su inspiración en la cultura circundante, y no a través de la exploración de los sentimientos individuales del artista. Construyó un importante cuerpo de trabajo a partir de imágenes reproducidas en masa, que provocaron interminables debates sobre las nociones de originalidad, consumismo y exploraron la fina línea entre el arte y el entretenimiento. Este era precisamente uno de los principios más destacados del Pop Art, que se centraba en la exploración de todas las formas de comunicación y los mensajes a través de códigos o del lenguaje.

Lata de sopa big campbell’s

El arte pop era el arte de la cultura popular. Fue el movimiento de arte visual que caracterizó un sentimiento de optimismo durante el boom de consumo de la posguerra de los años 50 y 60. Coincidió con la globalización de la música pop y la cultura juvenil, personificada por Elvis y los Beatles. El arte pop era descarado, joven y divertido, y hostil al establishment artístico. Incluía diferentes estilos de pintura y escultura de varios países, pero lo que todos tenían en común era el interés por los medios de comunicación de masas, la producción en masa y la cultura de masas.

La palabra «POP» fue acuñada por primera vez en 1954 por el crítico de arte británico Lawrence Alloway para describir un nuevo tipo de arte inspirado en la imaginería de la cultura popular. Alloway, junto con los artistas Richard Hamilton y Eduardo Paolozzi, fue uno de los miembros fundadores del Independent Group, un colectivo de artistas, arquitectos y escritores que exploraron enfoques radicales de la cultura visual contemporánea durante sus reuniones en el ICA de Londres entre 1952 y 1955. Se convirtieron en los precursores del arte pop británico. En su primera reunión, Paolozzi pronunció una conferencia visual titulada «Bunk» (abreviatura de «bunkum», que significa «sin sentido») en la que ironizaba sobre el estilo de vida americano. Se ilustró con una serie de collages creados a partir de revistas americanas que recibió de soldados que aún residían en París a finales de la década de 1940. I was a Rich Man’s Plaything», una de las series «Bunk», fue la primera obra de arte visual que incluía la palabra «POP».

Por admin

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