Compositi vii

En este ensayo me centro en la cuestión de por qué nos sentimos atraídos por el arte abstracto (quizás más exactamente, por el arte no representativo o sin objetos). Tras explicar el procesamiento del arte visual en general y del arte abstracto en particular, analizo los datos recientes de la neurociencia y los estudios de comportamiento relacionados con el arte abstracto. Concluyo con varias especulaciones sobre nuestro aparente atractivo para este tipo concreto de arte. En particular, afirmo que el arte abstracto libera a nuestro cerebro del dominio de la realidad, permitiéndole fluir dentro de sus estados internos, crear nuevas asociaciones emocionales y cognitivas y activar estados cerebrales a los que de otro modo sería más difícil acceder. Este proceso es aparentemente gratificante, ya que permite explorar territorios internos aún no descubiertos del cerebro del espectador.

A lo largo de la evolución humana, el fenómeno del arte apareció hace unos 30.000 años y los humanos se ocuparon cada vez más de crear y apreciar obras de arte (Humphery, 1999; Solso, 1999). Las obras de arte se perciben mediante la misma maquinaria neuronal y las mismas rutas anatómicas que se desarrollaron principalmente para interactuar con la «realidad» y comprenderla. Estos mecanismos evolucionaron para que adquiriéramos y analizáramos la información sensorial del mundo que nos rodea y, en consecuencia, nos comportáramos con éxito y de forma adaptativa en un entorno siempre cambiante (véase la teoría del «bucle de acción de la percepción» en Tishby y Polani, 2011).

Converge

Siga leyendo para saber más sobre los distintos tipos de arte abstracto -desde el cubismo hasta el surrealismo, pasando por el marmoleado o la abstracción orgánica- y qué estilos se están reinterpretando para el diseño contemporáneo, así como para saber cómo puede utilizar imágenes abstractas en sus propios diseños.

Mientras que el arte realista trata de presentar una representación de la realidad real, el arte abstracto se esfuerza por conseguir exactamente lo contrario. Los primeros artistas abstractos que trabajaron a finales del siglo XIX y principios del XX utilizaron el color, la forma y la línea para crear pinturas, esculturas y dibujos que se sentían deliberadamente independientes de los objetos, paisajes y personas identificables. La abstracción dio a los artistas un nuevo nivel de libertad para experimentar con los métodos artísticos y les permitió remodelar el significado tradicional de lo que era el «arte».

El arte abstracto fue de la mano de la evolución del modernismo y el posmodernismo, movimientos interdisciplinarios que fomentaron la ruptura con los enfoques, estilos y formas de pensar tradicionales heredados del Renacimiento, la Edad Moderna y la época victoriana.

Robert delaunay

El poder de la abstracción también se ha filtrado en el arte contemporáneo y todavía hoy domina el mercado de las galerías comerciales y las casas de subastas. Desde la rápida insurgencia de lo que se conoce como Abstraction-Création, el grupo que se formó para contrarrestar la influencia de los surrealistas, hasta destacados artistas abstractos que siguen practicando dentro del género en la actualidad, está claro que este género sobrevivirá muchos años.

Wassily Kandinsky, Composición X, 1939Wassily Kandinsky, Composición X, 1939. Imagen cortesía de wassilykandinsky.netConocido como uno de los primeros defensores de la pintura abstracta, Wassily Kandinsky no sólo fue un pintor ruso, sino también un teórico del arte. La influencia que ejerció y dejó en el mundo del arte y en la abstracción fue inmensa, ya que cofundó el grupo artístico Falange y el Nuevo Grupo de Artistas, y organizó exposiciones para sus contemporáneos a lo largo de sus años como artista. Produjo más de 600 obras a lo largo de su carrera, y un cuadro de 1913 alcanzó su precio récord en una subasta de 41,6 millones de dólares en 2017.

Broadway boogie-w

La llegada del siglo XX supuso una revolución en el mundo del arte en la que los artistas se alejaron del arte representativo, que pretendía representar una imagen de la realidad visual, y se acercaron a la abstracción, que les permitió independizarse del mundo visual. En sentido estricto, el arte abstracto no tiene ningún rastro de nada reconocible en el mundo natural, pero el género no se limita a estas obras, ya que hubo numerosos artistas que practicaron diversos grados de abstracción. El fauvismo de Henri Matisse y el cubismo de Georges Braque y Pablo Picasso utilizaron la abstracción parcial. Estos movimientos fueron un importante precursor de los movimientos abstractos que finalmente dominaron el mundo del arte en el siglo XX. Entre ellos se encuentran el orfismo, el suprematismo, el neoplasticismo, el arte óptico y, sobre todo, el expresionismo abstracto. Conozca más sobre el desarrollo del arte abstracto estudiando los 10 artistas abstractos más famosos, los movimientos con los que estaban relacionados, su contribución y sus mejores obras.

Las obras iniciales de Robert Delaunay eran neoimpresionistas, pero con el tiempo se decantó por la abstracción. Su obra de 1912 Ventanas simultáneas fue su última obra semigráfica antes de empezar a experimentar con la no objetividad total. Su contribución más importante al arte abstracto fue la cofundación del movimiento artístico del orfismo, una rama del cubismo que se centraba en la abstracción pura y los colores brillantes. El movimiento pretendía prescindir de la temática reconocible y, por tanto, desempeñó un papel clave en el desarrollo del arte abstracto. Las pinturas abstractas de Delaunay se basaban en las características ópticas de los colores brillantes que eran tan dinámicos que funcionaban como la forma. Al ser el líder y la figura más famosa del orfismo, Delaunay se cuenta entre los artistas abstractos más influyentes.

Por admin

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