Deana lawson

En el segundo ejemplo, Cold Dark Matter de Cornelia Parker: An Exploded View, 1991 (T06949) se interpreta a través de un collage que extrapola la fuerte dinámica formal de la obra y la cuidadosa colocación de los objetos en lo que inicialmente parece una disposición aleatoria y caótica (fig. 3). Al elegir el mapa de una galería como material, la profesora-investigadora también establece una ingeniosa conexión entre el modo en que la obra de arte explota y reensambla el mundo en un microcosmos metafórico y el modo en que el proceso de creación de interpretaciones plurales también puede implicar una explosión de formas «seguras», es decir, finitas, de conocer el mundo. Al igual que el mapa de la galería ha sido arrancado y rehecho de forma exploratoria, al hacer interpretaciones nada es seguro, excepto la precariedad del significado.

Después de observar lo que se podía ver, estas respuestas se ampliaron con la discusión de las asociaciones que surgen de las propiedades materiales del objeto. El grupo se trasladó a la sala de Gráfica Soviética de la exposición Historia/Memoria/Sociedad para explorar la relación entre las características formales de una obra de arte elegida y su significado. A pesar de la inaccesibilidad del texto de los carteles rusos, el significado podía interpretarse a través de la lectura de las cualidades formales de las obras: las decisiones de diseño sobre el punto de vista, el tamaño de la letra y la elección de los gráficos, la relación formal entre la palabra y la imagen. A pesar de la naturaleza culturalmente contingente incluso de los elementos más básicos del diseño de los carteles, esta actividad demostró cómo la interpretación tuvo lugar porque el grupo reconoció el marco cultural en el que se diseñaron los carteles.Respondiendo a las obras en collage, el grupo utilizó la impresión de periódicos para crear nuevas interpretaciones de un cartel de su elección. De este modo, conectaron el «qué» de la obra -¿qué veo delante de mí? con el «cómo» de la obra -¿cómo ha utilizado el artista sus materiales y el lenguaje formal de la creación de imágenes para transmitir un significado? El aprendizaje tuvo lugar a través de la experiencia de rehacer la obra de arte, un proceso visual de interpretación.

Características del arte contemporáneo

Si estás considerando estudiar Arte Contemporáneo, puede que estés persiguiendo algo que te resulte interesante y agradable. Hacerlo puede conducirte a una vida con sentido y satisfacción. Sin embargo, es posible que la realidad de la necesidad de un trabajo que te sirva para mantenerte económicamente se imponga. Entonces te preguntarás qué trabajos puedes conseguir con una licenciatura en Arte Contemporáneo. La buena noticia es que hay muchos trabajos de este tipo. Además, puedes incluso plantearte lanzar tu carrera en el extranjero. Trasladarte al extranjero para estudiar te llevará muy lejos en este sentido. Por ejemplo, estudiar arte contemporáneo en Francia puede ser una forma estupenda de sumergirse en el patrimonio artístico y cultural del país.

Una de las salidas profesionales más obvias para alguien con un título de arte contemporáneo es convertirse en artista plástico. Muchas personas optan por seguir una carrera como artista profesional. Esto es bastante factible para quienes tienen la formación, el talento, la autodisciplina, la motivación y la dedicación necesarios. Ser artista puede ser un reto porque es un campo altamente competitivo y en el que el artista puede trabajar tan poco o tanto como quiera para tener éxito.

Desinteresado en el baño de lava

Según el diccionario Merriam-Webster, la palabra «moderno» se define como «de o relativo al tiempo presente».    La palabra «contemporáneo» se define como «que ocurre o comienza ahora o en tiempos recientes». Aunque estas definiciones pueden parecer similares o incluso casi idénticas, en términos de géneros artísticos son muy incongruentes.

El movimiento del arte moderno comenzó en la década de 1860, durante el periodo de la Revolución Industrial. Con la llegada de la fotografía, los artistas dejaron de ver la necesidad de hacer arte para retratar exclusivamente la realidad. Por ello, muchos artistas empezaron a experimentar con el color, la forma, la abstracción, diferentes medios y técnicas.  El arte moderno supuso una gran desviación de las técnicas del pasado, como describe a continuación Melissa Ho, conservadora adjunta del Museo Hirshorn:

«[La pintura académica tradicional de los siglos XVII, XVIII y XIX] consistía en una técnica perfecta, sin fisuras, y en utilizar esa técnica perfecta, sin fisuras, para ejecutar un tema muy bien establecido.

Cecily brown

Una de las obras de arte contemporáneo más famosas del mundo son las latas de sopa Campbell del artista Andy Warhol. Símbolo del movimiento Pop Art, la obra ilustra la cultura consumista y los medios de comunicación de masas en la sociedad estadounidense. Además, el estilo característico de Warhol es visible en su obra. A través de la repetición del objeto representado, el artista refleja su crítica a la sociedad consumista y su interminable ciclo de producción y consumo.

Con una altura de 30 metros y en forma de araña, Maman es una obra escultórica icónica de Louise Bourgeois. Existen varias versiones de la pieza, creadas con diversos materiales. Realizada para una exposición en la Tate Modern, rinde homenaje a la madre de Bourgeois, que murió repentinamente cuando la artista tenía sólo 21 años.

Creada en el momento álgido de la carrera de Jackson Pollock, Ritmo de otoño es un ejemplo perfecto de la técnica de la pintura por goteo. Esta técnica, propia de Pollock, le hizo famoso por su originalidad. Para crear sus obras, Pollock se ponía de pie sobre su lienzo y goteaba pintura diluida sobre él, dejándola caer de forma natural. Goteaba, salpicaba, raspaba y vertía pintura sobre su lienzo. Para el artista, el movimiento y las propias pinturas impulsaban su arte. Este método único de pintar se considera la marca registrada del artista.

Por admin

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